Без оглядки на лишние дырки в стенах я стараюсь менять домашнюю развеску раз в год. Для меня - это хороший повод провести инвентаризацию собрания, подкорректировать оценку и опись и в конце-концов пустить в пространство новое настроение и смыслы. С созданием pl(art)form, выбор, что идет в экспозицию, а что отдыхает в углу кабинета, стал менее болезненным. Так как в виртуальном кабинете - вся коллекция всегда перед глазами.

Мне кажется, что подход, когда работы попадая в частный дом, недвижимо застывают в нем до скончания веков - не имеет ничего общего с коллекционированием. Поэтому я решила одной из первых среди коллекционеров pl(art)form воспользоваться функцией "публичных Viewing Rooms" и приоткрываю доступ к части своего собрания.

Остаюсь на связи для тех, кто захочет предложить работам хорошие кураторские проекты. И надеюсь, что моему примеру последуют многие коллекционеры.

Коллекция галереи пополнилась новыми работами японского керамиста Масахико Ямамото: чайной утварью, вазами, чашами и сосудами для сакэ. Сохраняя традиционные формы, художник реинтерпретирует их, добавляя наивные зооморфные мотивы и орнаментальную ручную роспись.

Масахико живёт в деревне Сони близ города Нара и работает в технике якисимэ – это неглазурованная керамика, многократно (или длительно) обожжённая при высоких температурах и известная в Японии с XII века. Этот тип керамики ассоциируется с философским и эстетическим понятием «цути-но адзи» (яп. 土の味) –«вкус земли». Под ним подразумевается прежде всего буквальный вкус и аромат глины, ощущаемые при использовании предмета. Например, чай, испитый из неглазурованной чаши якисимэ, звучит иначе – его вкус становится сложнее, обогащается терпкими нотками глины. «Цути-но адзи» также подразумевает и визуальные качества предмета: естественную фактуру, бархатистость, неидеальность ландшафта, отсутствие тактильной инертности.

Работы Масахико, хотя и обладают декоративностью, но не подавляют характера глины, а гармонируют с ней, отражая единение материала и огня. Керамист экспериментирует с возможностями натуральных элементов – использует разные типы глины, характерные для разных регионов Японии, добавляет в процессе обжига мох, водоросли, травы, варьирует виды древесины для растопки его собственноручной построенной дровяной печи анагама, что создает непредсказуемую и разнообразную палитру черепка. Художественную практику Масахико Ямамото характеризует уважение к традиции и материалу, воплощённое в лаконичных непритязательных формах.

Фото - Евгения Баранова Флористика - Ася Ричардсон Пространство - шоу-рум СОХА, ул. Трубная 32к3

25.10 — 7.12 коллекция Полины Бондаревой

«Моя судьба — гнаться за невозможным, невозможное завораживает меня, и все простые вещи в жизни теряют ценность»

— эта цитата Пегги Гуггенхайм, главной покровительницы художников прошлого столетия, создавшей один из самых посещаемых музеев современного искусства. На протяжении всей своей жизни она собирала уникальную коллекцию, ценность которой заключалась в довольно интуитивном подходе к отбору авторов и работ. Экспрессивная личность Пегги остро чувствовала нерв времени, придавая особое значение молодым, начинающим художникам. «Меня делала счастливой мысль о том, что я открыла гения».

Основательница школы Masters, программный директор Левашовского хлебозавода, коллекционер Полина Бондарева, человек, посвятивший много лет образовательной гуманитарной миссии в области классического и современного искусства, уже в наши дни открывает своё новое московское пространство проектом, посвящённым личной коллекции, собравшей как в ковчеге истории самые яркие имена современников.

В выставку войдут работы Виктории Бегальской и Александра Вилкина, Дмитрия Грецкого и Евгении Кац, Сергея Деникина, Ивана Карпова, Влада Кулькова, Тимофея Ради, Петра Швецова, Леонида Цхэ.

Маршрут прокладывается от постакадемизма до абстракции через условные остановки основных медиумов: живопись — графика — фотография — объект.

Четыре точки повествуют о пути российского современного искусства, искусства времени, постоянно ускоряющегося, через призму частного собрания.

Выставка представляет собой размышление о сущности искусства на примере избранных художников, различных и сходных между собой.

Общим началом служит позиция и фигура самого коллекционера, рискующего, не боящегося эксперимента, его интереса к тому или иному автору, произведению как к носителям идейно-образных, социокультурных смыслов.

Стенд, К0, 2 этаж 11 сентября: предпоказ 12-14 сентября: публичные дни

Весной команда арт-консьержей LOBBY представила диджитал-проект pl(art)form — уникальную экосистему, объединяющую коллекционеров, ведущих игроков и профессионалов арт-рынка для удобного, прозрачного и юридически защищенного взаимодействия в сфере искусства, дизайна и предметов роскоши.

Стенд «Кабинет коллекционера» — оммаж, соединяющий образ кулуарного кабинета коллекционера и физическое воплощение цифровой экосистемы pl(art)form. Интерактивный формат предполагает вариативные сценарии взаимодействия гостя со стендом. Можно сесть за рабочий стол, чтобы добавить ярмарочные приобретения в свой цифровой «кабинет коллекционера» на pl(art)form. Ознакомиться как онлайн, так и физически с лотами из раздела «Каталог», или почитать одну из книг, представленных на полках стеллажа от Освальдо Бонсани.

Выставочный проект ❛НА СКЛОНЕ ИСТИНЫ❜ — это новая серия работ, где Серафима C. развивает основную идею концепции своей творческой деятельности, углубляясь в изучение образа матери природы в контексте того первоначального, благодаря чему существует человечество, и образа человеческой фигуры как уникального и наивысшего её «проекта».

До нашего времени дошло огромное количество знаний о происхождении человечества. Автор считает, что любые научные теории, мифология и множество иных источников сведений являются лишь интерпретациями ранее и ныне живущих людей. Сказки, притчи, легенды, мифы — не исключение. Приглашая на открытие нового проекта, Серафима предлагает каждому зрителю погрузиться в рассуждение о мироздания через собственное, авторское иносказание, опираясь на предания разных мифов и переплетения их между собой.

«ЖИВОПИСЬ для меня — возможность стать частью того, что так заботливо было создано для нас руками свыше» .

Более полугода готовилась коллаборация фабрики Федоскино с художником галереи ВЫСОТА Серафимой С.

Нам удалось объединить уникальное наследие русских мастеров и высокое современное искусство, и создать эксклюзивную коллекцию авторских шкатулок, каждая из которых будет представлена в единственном экземпляре.

Первые изделия были продемонстрированы на главной ярмарке современного искусства — Cosmoscow 2025

Галерея «ВЫСОТА», основанная Валентиной Кузиной и Юрием Синозацким, отдает предпочтение молодым авторам с узнаваемым стилем, который представляет собой симбиоз академической школы и актуальных практик. Саша Рощин, родом из Челябинской области, изучал дизайн среды в Южно-Уральском профессиональном институте (ЮУПИ), после чего занялся fashion-иллюстрацией. Он сотрудничал с именитыми брендами, например Chanel, H&M, MAC, Peugeot, Sony Mobile, The Ritz Carlton, а также иллюстрировал юбилейный номер русского издания Наrреr’s Bazaar в 2016 году. Позднее полностью сменил стиль, отдав предпочтение абстракции.

Inhuman, House of Memory и Pictures from Eden — прекрасно иллюстрируют сложившийся художественный почерк и излюбленные темы Рощина. Центральный проект на выставке, Pictures from Eden, напоминает об Эдеме — библейском райском саде, откуда Адам и Ева были изгнаны после грехопадения. Этот сюжет стал одним из самых часто изображаемых в мировом искусстве, к нему обращались Иероним Босх, Ян Брейгель Старший и Питер Пауль Рубенс, Анри Руссо. В абстрактных работах Рощина тоже угадываются очертания райской флоры: сочно-зеленые лапы монстеры, нежные лепестки ярких тропических цветов. Местами они выглядят так реалистично, будто на глянцевую акриловую поверхность приклеен гербарий.

Выставка «Солнечные нити над черно-серой пустошью», представляет собой мультидисциплинарный художественный проект, вдохновленный идеями книги Оливии Лэнг о саде как метафорическом пространстве слияния личного и общественного, духовного и материального. Экспозиция объединяет работы шести современных художниц, каждая из которых по-своему интерпретирует тему сада через различные художественные практики: от чугунных скульптур до эко-гобеленов из переработанных материалов.

Проект создает особое утопическое пространство для рефлексии и внутренней трансформации, где сад выступает символом поиска гармонии между человеком и природой, а также метафорой женского начала и созидательного потенциала. В рамках выставки представлены: сюрреалистические объекты, соединяющие органическое и технологическое; работы из шерсти, подчеркивающие связь с природой; вязаные скульптуры-биоформы; и другие произведения, исследующие темы трансформации, защиты и создания нового мира. Выставка предлагает зрителю погрузиться в пространство размышлений о сохранении духовных ценностей в современном мире и возможности создания личного рая через творческое созидание.

Художественная практика Александры Бетеевой — это исследование памяти как творческого опыта. Через живопись, графику и монотипию она занимается «археологией памяти», превращая образы прошлого в инструмент самопознания. Её произведения не фиксируют реальность, но улавливают вибрацию ускользающего. Сюжеты возникают на границе сна и яви, словно отражения в неспокойной воде: лица теряют резкость, контуры растворяются, а краски дрожат, будто сама материя изображения отзывается на дыхание времени. Эти образы сродни фотографиям, утратившим фокус, но именно в этой неясности, в «доверии к смутному» (по выражению романтиков), и рождается подлинное чувство сопричастности. Проект «It Was Never Exactly Like This» — не архив, но палимпсест. Художница словно археолог, вглядывается в старые семейные фотографии, извлекая из них не столько факты, сколько трещины и пустоты — те безмолвные участки, в которых затаилась подлинная жизнь.

Александра Бетеева работает с формой портрета, но не в его классическом понимании. В духе размышлений Алексея Габричевского, для которого подлинный портрет есть не воспроизведение, а откровение, художница стремится не изобразить, но проявить, как в фотографии — индивидуальность, которая сама уже становится знаком всеобщего. В её фигурах — то исчезающих, то возникающих — можно увидеть попытку восстановить утраченный контакт с образом, позволить ему снова вступить в диалог со зрителем. Поэтому фигура в её картинах — не лицо, а отпечаток, тень, призрак пережитого, тонкий след, оставленный в зыбком восприятии, что ближе к платоновскому эйдосу, нежели к репрезентации конкретной личности и её социальной роли.

3L Gallery и Anna Nova Gallery представляют персональную выставку Дениса Патракеева «Книга Жизни», которая открывает путь к осмыслению природы как символического и духовного пространства

Серия скульптур «Столпы» — это исследование вертикали как внутреннего состояния. Объекты, вдохновлённые образом столпников-аскетов, находятся на стыке архитектурной формы и человеческой фигуры. Каждый «Столп» — это позвоночник, внутренняя ось, стержень, который человек выстраивает в себе — безмолвное свидетельство личного усилия. Материалы – керамика и металл - отражают двойственность опыта. Их соединение становится точкой соприкосновения внутреннего и внешнего, телесного и духовного.

Групповая выставка – всегда результат диалога: с куратором, с пространством, со зрителем и между самими произведениями художников. В данном проекте этот диалог выходит за рамки профессиональных отношений. Участницы выставки (Мария Стадник, Маргарита Гущенец и Анна Дёмина) связаны не только общей художественной практикой, но и дружбой. Их работы взаимодействуют не как случайные соседи, а как соучастники единого поля и похожих вызовов времени.