Выставки, которые стоит увидеть этой весной

В Палаццо Строцци до конца лета открыта одна из самых масштабных выставок, посвященных творчеству Марка Ротко. Проект Rothko in Florence, подготовленный Кристофером Ротко и Еленой Геуной, объединяет произведения художника из крупнейших международных музеев и частных коллекций, включая Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, Метрополитен-музей, галерею Тейт и Центр Помпиду. Экспозиция прослеживает ключевые этапы художественного пути Ротко — от ранних фигуративных работ 1930-х годов до его знаменитых живописных полотен 1950–1960-х, на которых цвет становится основным носителем эмоционального опыта.

Выставка задумана специально для флорентийского контекста и обращается к связи художника с искусством итальянского Возрождения. Проект выходит за пределы Палаццо Строцци и продолжается в двух знаковых местах города: в музее Сан-Марко, где работы Ротко представлены в диалоге с фресками Фра Анджелико, и в вестибюле библиотеки Лауренциана, созданном Микеланджело. Такое расширение выставки позволяет по-новому увидеть, как Ротко переводил напряжение между классической гармонией и экспрессивной свободой в язык абстрактной живописи, создавая через цвет ощущение глубины и объема, выходящее за пределы плоскости холста.

Музей Гуггенхайма представляет первую музейную ретроспективу Кэрол Бове — проект, заполняющий всю спиральную ротонду здания Фрэнка Ллойда Райта. Выставка охватывает более 25 лет ее практики — от ранних ассамбляжей из книг и бумажных коллажей до монументальных стальных скульптур. Экспозиция выстроена в обратной хронологии: движение по пандусу превращается в путешествие сквозь время, где тяжесть индустриального материала постепенно сменяется иллюзией мягкости и текучести форм. Новые скульптуры из смятой и изогнутой стали — фирменный мотив Бове, напоминающий свернутые ленты металла, — и серия настенных алюминиевых панелей подчеркивают диалог работ с архитектурой музея.

Бове рассматривает ротонду как самостоятельное произведение искусства, активируя ее геометрию и линии обзора. Вертикальная колонна полированных алюминиевых дисков направляет взгляд к стеклянному куполу, а градиентная окраска стен усиливает ощущение восхождения. В экспозицию включены зоны отдыха и взаимодействия — встроенные сиденья, тактильная библиотека материалов из студии художницы и авторские шахматные столы. Частичное раскрытие мозаики Жоана Миро и Жозепа Льоренса Артигаса 1960-х годов, не демонстрировавшейся публике более двух десятилетий, вписывает исторический слой здания в композицию Бове и подчеркивает ее интерес к диалогу художественных поколений и переосмыслению модернистского наследия.

С 30 января по 24 мая 2026 года в Jeu de Paume проходит выставка Global Warning, посвященная творчеству Мартина Парра — одного из культовых фотографов современности. Экспозиция объединяет более 180 фотографий, созданных на протяжении пяти десятилетий, и предлагает переосмыслить работу фотографа через призму сегодняшних глобальных кризисов. Известный своей яркой цветовой палитрой и ироничным взглядом, Парр на протяжении всей карьеры фиксировал повседневные сцены массовой культуры — от туристических курортов и торговых центров до ярмарок и городских праздников, — превращая их в точное наблюдение за противоречиями современной жизни.

Выставка структурирована вокруг нескольких тем: культуры потребления, массового туризма, отношений человека с животным миром и технологической зависимости. Парр показывает переполненные пляжи, магазины, развлекательные пространства и туристические достопримечательности, которые становятся своеобразным зеркалом эпохи — в них досуг, потребление и зрелищность формируют новые социальные ритуалы. Работая на границе между документальной фотографией и сатирой, Парр избегает прямой морализации, предлагая зрителю самостоятельно увидеть абсурд и тревожные противоречия современного мира. Выставку сопровождает одноименное издание Global Warning (издательство Phaidon), расширяющее контекст проекта и рассматривающее работы Парра как визуальный комментарий к исследованию.

Tate Modern представит крупнейшую выставку Трейси Эмин, охватывающую сорок лет ее художественной практики. Проект объединяет более 90 работ — живопись, видео, текстиль, неон, скульптуру и инсталляции, а также произведения, ранее не демонстрировавшиеся публике. Экспозиция начинается с ранних материалов, связанных с первой персональной выставкой Эмин в White Cube — My Major Retrospective 1963–1993, включая крошечные фотографии живописных работ 1980-х годов, уничтоженных художницей в период личного кризиса. Эти фрагменты вводят темы утраты и самоуничтожения, ставшие фундаментальными для всей ее практики. Важное место в экспозиции занимает автобиографическое видео Why I Never Became a Dancer (1995), посвященное подростковым годам Эмин в Маргейте. Город, где художница живет и работает до сих пор, проходит через всю выставку как ключевой топос — вплоть до поздних произведений.

Центральными работами экспозиции становятся две знаковые инсталляции — Exorcism of the Last Painting I Ever Made (1996) и My Bed (1998), номинированная на премию Тернера и вызвавшая широкий общественный и критический резонанс. В контексте выставки My Bed рассматривается не как провокационный жест, а как «капсула времени», фиксирующая момент психологического и физического кризиса. Финальная часть проекта посвящена периоду жизни художницы после онкологического диагноза: здесь представлены недавние живописные работы, бронзовая скульптура Ascension (2024) и материалы нового документального фильма, в которых Эмин открыто говорит о жизни с инвалидностью.

Метрополитен-музей представит первую в истории США всеобъемлющую выставку, посвященную Рафаэлю. В экспозиции будут показаны произведения из ведущих музейных собраний Европы и США, включая Британский музей, Национальную галерею в Лондоне, Лувр, Галерею Боргезе, музеи Ватикана, Уффици, Прадо, Альбертину и Штеделевский художественный музей. Выставка последовательно раскрывает эволюцию творчества Рафаэля — от ранних этапов формирования художественного языка до зрелого периода, связанного с работой при папском дворе и руководством крупной мастерской. Особое внимание уделено интеллектуальной и культурной среде эпохи, а также диалогу и соперничеству художника с Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Важной особенностью проекта становится демонстрация художественного процесса: подготовительные рисунки и эскизы экспонируются рядом с завершенными произведениями, позволяя проследить развитие композиционных решений и логику художественного мышления. Среди ключевых работ — «Мадонна Альба», представленная в диалоге с редкими подготовительными рисунками, а также «Портрет Бальдассаре Кастильоне», один из наиболее значимых портретов эпохи Возрождения. Наряду с шедеврами показаны произведения, которые редко покидают постоянные собрания и впервые демонстрируются в подобном контексте.

Neue Nationalgalerie в сотрудничестве с Центром Помпиду представляют первую в Германии за последние полвека масштабную выставку Константина Бранкузи. В экспозиции — скульптуры, фотографии, рисунки, фильмы и редкие архивные материалы из международных музейных и частных собраний. Выставка раскрывает Бранкузи как одну из ключевых фигур искусства XX века и пионера скульптурной абстракции. После академического обучения в Румынии и переезда в Париж в 1907 году художник разрабатывает собственный редукционистский язык, основанный на поиске сущности формы. Экспозиция демонстрирует, как Бранкузи систематически варьировал ограниченный круг мотивов, исследуя их в разных материалах и масштабах. Значительное внимание уделено роли постамента, света, движения, а также фотографии и кино в его практике.

Одним из центральных элементов проекта станет частичная реконструкция легендарной мастерской Бранкузи — впервые показанная за пределами Парижа с момента ее передачи французскому государству в 1957 году. Мастерская представлена как пространство эксперимента и как ключ к пониманию метода художника, в котором объект, среда и восприятие зрителя образуют единую систему. Выставка ставит своей целью расширить восприятие Бранкузи в Германии, где его наследие долгое время оставалось достоянием узкого круга специалистов.

Fondation Beyeler впервые в своей истории посвящает выставку Полю Сезанну, сосредотачиваясь на позднем и наиболее значимом этапе его творчества. Экспозиция объединяет около 50 живописных и акварельных работ, созданных в последние годы жизни художника в Экс-ан-Провансе, и показывает, как Сезанн последовательно разрушал традиционные представления о перспективе и объеме, прокладывая путь к модернизму. В этот период он отказывается от фиксации мгновения и исследует, как живопись может заново сконструировать реальность — не через линейную перспективу и контур, а через отношения цвета, света и формы. Куратор Ульф Кюстер и директор музея Сэм Келлер отталкиваются от знаменитого определения Пабло Пикассо — «Сезанн — отец всех нас», развивая мысль о Сезанне как художнике, разработавшем новую живописную систему, которая повлияла на развитие искусства в целом.

Экспозиция выстроена вокруг четырех ключевых тем позднего творчества: натюрморт, портрет, пейзаж и купальщики. Особое место занимает гора Сент-Виктуар, которая выступает в работах Сезанна не как символ Прованса, а как постоянный мотив для проверки художественного метода, когда устойчивость формы сталкивается с изменчивостью света и воздуха. Акцент сделан и на намеренно «открытых», незавершенных работах, позволяющих зрителю включиться в процесс восприятия. Среди экспозиционных узлов — совместный показ двух версий «Игроков в карты» из собраний Института Курто и музея Орсе, сопоставление акварельных вариантов The Boy in the Red Vest, а также портретная линия, включающая образ садовника Валье и редкий автопортрет из частного собрания. Отдельный раздел посвящен швейцарскому контексту и роли коллекционеров Рудольфа Штехелина и Оскара Рейнхарта.

The Women Alchemists — site-specific проект, созданный Ансельмом Кифером специально для Sala delle Cariatidi в Palazzo Reale — исторического пространства, до сих пор несущего следы бомбардировок 1943 года. Здесь архитектура с ее «ранами» становится активным элементом экспозиции: диалог между живописью и поврежденным залом усиливает темы памяти, разрушения и восстановления.

В центре выставки — цельный цикл из сорока двух больших полотен, рассматриваемых художником как неразделимое произведение. Кифер создает «пантеон» женщин-алхимиков, возвращая из исторической тени фигуры, чья интеллектуальная работа была вытеснена на периферию знания. Их судьбы нередко включали вынужденную скрытность, осуждение и отказ от собственных открытий. Внутри цикла художник использует алхимические процессы — огонь, электрохимические реакции, трансформацию вещества — как часть художественного языка, в котором сама живопись мыслится как алхимия.

Выставка Марины Абрамович в Галерее Академии в Венеции становится институциональным прецедентом: это ее первая крупная выставка в музее, идентичность которого сформирована ренессансным наследием. Проект, приуроченный к 80-летию художницы и открывающийся во время 61-й Венецианской биеннале, не носит юбилейного характера. Куратор Шай Байтел выстраивает экспозицию как вмешательство в структуру музея, впервые разворачивая ее одновременно в постоянной коллекции и временных пространствах и помещая практику Абрамович в прямой диалог с историей.

Центральным механизмом выставки становится перевод темы присутствия из перформанса в музейный опыт. Зрителю предлагается взаимодействовать с Transitory Objects — каменными структурами с кристаллами, активируемыми телом и временем. В экспозиции представлены документации ключевых работ, включая Imponderabilia, Rhythm 0, Balkan Baroque и Carrying the Skeleton, а также новые произведения, созданные специально для проекта. Кульминацией становится сопоставление Pietà (Anima Mundi) с поздней Pietà Тициана, усиливающее напряжение между исторической и современной типологией скорби и подчеркивающее непрерывность тем уязвимости, выносливости и трансформации.

MoMu представляет первую крупную музейную выставку, полностью посвященную «Антверпенской шестерке» — группе бельгийских дизайнеров, определивших международный прорыв Антверпена в середине 1980-х годов. Экспозиция объединяет работы Дирка Биккембергса, Анн Демельмейстер, Вальтера ван Бейрендонка, Дриса ван Нотена, Дирка ван Саина и Марины Йи, прослеживая их путь от обучения в Королевской академии изящных искусств в Антверпене к показу на British Designer Show в Лондоне, ставшему точкой международного признания.

Выставка включает оригинальные предметы одежды, эскизы и архивные материалы, раскрывающие как индивидуальные, так и коллективные аспекты их практики. Проект подчеркивает уникальную траекторию группы: общий образовательный контекст и совместный старт сочетаются с развитием шести самостоятельных, влиятельных карьер, сформировавших новый язык моды и закрепивших за Антверпеном статус одной из ключевых мировых столиц дизайна.

Fondation Louis Vuitton предлагает пересмотреть привычный образ Александра Колдера на одной из самых масштабных ретроспектив, подготовленных совместно с Фондом Колдера и приуроченных к столетию приезда художника во Францию. Париж показан как среда, в которой скульптор оказался в центре авангардной культуры, вступив в диалог с Жаном Арпом, Барбарой Хепуорт, Жаном Эльоном и Питом Мондрианом, — именно здесь формируется его язык новой скульптуры. Выставка выстраивается как движение от ранних проволочных фигур конца 1920-х годов, в которых линия буквально «рисует» объем в воздухе, к радикальным конструкциям 1930-х, когда скульптура отражала «архитектуру пустоты».

Колдер радикально меняет природу скульптуры: форму определяет не масса, а система напряжений, равновесий и ритмов. В этом контексте стабили воспринимаются как воплощение тяжести и гравитации, а мобили — как пространство непредсказуемости, зависящее от воздуха и присутствия зрителя. Документальный раздел с фотографиями Анри Картье-Брессона, Ман Рэя, Ирвина Пенна и Аньес Варды фиксирует Колдера как активного участника культурной сцены. Особое значение имеет Cirque Calder — миниатюрный цирк конца 1920-х годов, выступающий матрицей будущих мобилей, а также серия Constellations, созданная в условиях дефицита металла и демонстрирующая способность художника адаптировать свой язык к материальным обстоятельствам.

Миланская Salone del Mobile традиционно пройдет с 21 по 26 апреля 2026 года, вновь подтвердив статус ключевого международного события в области дизайна и интерьерной индустрии. Выставка станет центральной точкой Milan Design Week, объединяя профессиональную программу ярмарки с сетью городских инициатив. Тема этого года — A Matter of Salone — задает диалог о роли дизайна в условиях глобальной нестабильности. В Salone примут участие почти две тысячи экспонентов, более трети из которых представляют зарубежные рынки.

Среди ключевых нововведений — дебют кураторского раздела Salone Raritas, посвященного коллекционному и экспериментальному дизайну, под кураторством Анналиса Россо и с архитектурой Formafantasma, а также проект Сабин Марселис, исследующий свет и материал.

Коллекция Пино представляет в венецианском Палаццо Грасси масштабную персональную выставку Майкла Армитажа, скурированную Жан-Мари Галле в сотрудничестве с Хансом-Ульрихом Обристом. Экспозиция разворачивается на двух уровнях палаццо и структурирована вокруг ключевых тем, проходящих через творчество художника: политики в индивидуальных и коллективных нарративах, мифологии и сексуальности, а также вопросов миграции и памяти.

Родившийся в Кении и работающий между Найроби и Лондоном, Армитаж соединяет визуальные коды Восточной Африки с западноевропейской художественной традицией — от Гойи и Веласкеса до модернистских и африканских авторов XX века. Его живопись отличается насыщенной колористикой и сложной композиционной структурой, где реальное и воображаемое переплетаются, формируя плотные, нередко тревожные образы. Обращаясь к темам насилия, политической нестабильности и социальной несправедливости, художник рассматривает живопись как способ критического осмысления современности. Работая маслом по лубуго — традиционной угандийской коре, — Армитаж подчеркивает материальную и символическую многослойность своих произведений.

Флоридский Norton Museum of Art представляет Danielle Mckinney: Shelter — масштабную музейную презентацию американской художницы Даниэль Маккинни. Экспозиция предлагает целостный обзор ее практики, сосредоточенной на изображении женских фигур в камерных интерьерах — в моменты отдыха, созерцания и внутренней сосредоточенности.

Героини Маккинни существуют в пространстве уединения: их образы, одновременно близкие и недоступные, разворачиваются на фоне темных, насыщенных колористических полей, отсылающих к традиции тенебризма и классического портрета. Художница соединяет интонацию интимной сцены с аллюзиями на историю искусства — от модернизма до живописных канонов XX века. Балансируя между эмоциональной узнаваемостью и принципиальной непроницаемостью внутреннего мира персонажей, Маккинни превращает сцены повседневной жизни в размышление о солидарности, уязвимости и ценности покоя как редкого ресурса современности. После показа в Уэст-Палм-Бич выставка отправится в New Orleans Museum of Art.