Выставки, которые стоит посетить этой осенью

С 9 октября 2026 по 8 марта 2027 года в Fondation Louis Vuitton пройдет выставка Gustave Fayet: Collector — Designer, продолжающая серию Icons of Modern Art, в которой ранее показывали коллекции Сергея Щукина, Михаила и Ивана Морозовых и Сэмюэла Курто. Впервые за столетие выставка объединит более 255 произведений из коллекции Гюстава Файе, вместе с 375 его собственными работами, большинство из которых никогда не выставлялись. Проект включает 767 произведений и документов, собранных благодаря сотрудничеству с 64 институциями и 71 частной коллекцией. Выставку курировали всемирно известный специалист по искусству конца XIX и начала XX века Сильви Патри и специалист по Густаву Файе Анжелин Шерф.

Гюстав Файе (1865-1925) был не только страстным коллекционером, собравшим более 740 значимых произведений современного искусства, но и художником, керамистом и декоратором, одним из первых, кто начал коллекционировать Ван Гога, выставлять Пикассо и создал в своем парижском доме настоящий «музей» Гогена почти из 200 работ. Среди ключевых произведений, впервые показанных во Франции: Self-Portrait with Bandaged Ear Винсента Ван Гога, не выставлявшийся здесь с 1937 года и представленный в диалоге с Self-Portrait with a Palette Гогена, а также декоративный ансамбль Day, Night and Silence, который Одилон Редон создал для библиотеки аббатства Фонфруард, приобретенного Файе в 1908 году. Вторая часть выставки впервые собирает воедино керамику, дизайнерские рисунки, акварели на клякс-бумаге и иллюстрированные книги Файе.

С 18 сентября 2026 года в Louisiana Museum of Modern Art в Дании пройдет первая в Европе крупная музейная выставка художницы-сюрреалистки испано-мексиканского происхождения Ремедиос Варо (1908-1963). Экспозиция собрана совместно с мексиканским искусствоведом Тере Арк и Moderna Museet в Стокгольме, куда выставка отправится после Дании. Более 70 работ, от ранних произведений барселонского и парижского периодов до самого продуктивного мексиканского этапа 1950-х и начала 1960-х годов, приехали из музеев Мексики и США, включая MoMA, Museo de Arte Moderno в Мехико, Art Institute of Chicago и National Galleries of Scotland, а также из частных коллекций, которые крайне редко показывают публике.

Родившаяся на севере Испании как Мария де лос Ремедиос Алисия Родрига Варо и Уранга, она поступила в Академию художеств в Мадриде в 15 лет, попала под влияние авангарда 1920-х, включая Лорку, Бунюэля и Дали, а затем перебралась в Париж, где вошла в круги сюрреалистов; после вторжения нацистов бежала в Марсель и в 1941 году была среди художников, спасенных из Франции с помощью Пегги Гуггенхайм и Хелены Рубинштейн. В Мехико, куда она приехала с поэтом-сюрреалистом Бенжаменом Пере, Варо смогла всерьез заняться живописью лишь с 1949 года, а ее ближайшими подругами и соавторами стали британская художница Леонора Каррингтон и венгерский фотограф Кати Хорна: втроем их называли «три ведьмы». По словам Варо, «мир сна и мир реальности — это одно и то же»: в ее живописи алхимическая точность соединяется с фантастическими образами и гибридными существами. Она умерла внезапно от сердечного приступа в 54 года, а Андре Бретон откликнулся на ее смерть словами: «Колдунья ушла от нас слишком рано» (Louisiana Museum of Modern Art, 2026).

Albertina Museum в Вене представляет выставку Picasso – Bacon: What It Feels Like to Be Human, которая пройдет с 18 сентября 2026 по 31 января 2027 года. Именно работы Пабло Пикассо когда-то подтолкнули Фрэнсиса Бэкона к тому, чтобы стать художником. На протяжении своей жизни Бэкон соперничал с Пикассо, стремясь превзойти его. Оба художника ставили в центр своего мира человеческую фигуру, которую они разрывали на части, собирали заново и переизображали с невиданной прежде жестокостью, раскрывая в этих деформированных образах боль и уязвимость. Пикассо, в отличие от Бэкона, никогда не испытывал его влияния, но внимательно следил за его карьерой.

Экспозиция объединяет около 70 ключевых произведений из музеев и частных собраний по всему миру, выстраивая прямое сопоставление двух творческих методов: Пикассо, как один из создателей кубизма, деформировал человеческую форму, чтобы передать эмоциональные состояния через абстрактные элементы, тогда как Бэкон создавал психологически сложные фигуры, отражавшие душевные травмы послевоенной эпохи. Среди представленных работ Пикассо — Dora Maar (1940), Mother and Child (Study after Guernica) (1937) и Bathers with a Ball (1928), а среди работ Бэкона — Three Studies of Isabel Rawsthorne (1967), Study for a Figure ("Fury") (около 1944 года) и Study for a Portrait (1949).

Метрополитен-музей в Нью-Йорке представляет выставку Krasner and Pollock: Past Continuous. Ли Краснер и Джексон Поллок — одна из ключевых пар американского абстрактного экспрессионизма. Они познакомились зимой 1941 года в Нью-Йорке, поженились в 1945-м и поселились в Спрингс на Лонг-Айленде, разделив дом и мастерские до самой смерти Поллока в 1956 году. Куратор Дэвид Бреслин совместно с Бриндой Кумар и научным сотрудником Си Джей Салапаре собрали более 120 произведений из более чем 80 музеев и частных собраний США и других стран, включая коллекцию Пегги Гуггенхайм, MoMA, музей Уитни, Тейт, вашингтонской Национальной галереи искусства, Национальную галерею Виктории, Центр Помпиду и Художественный институт Чикаго.

Экспозиция построена на чередовании монографических залов, посвященных каждому художнику отдельно, и пространств, объединяющих работы обоих и обнажающих переклички и расхождения в палитре и структуре. Среди ключевых работ Джексона Поллока в технике дриппинга — Number 1, 1950 (Lavender Mist) и The Deep (1953), а путь Ли Краснер прослеживается от плотной ритмичной серии Little Images 1940-х через Composition (1949) и The Seasons (1957) к The Eye Is the First Circle (1960) и Combat (1965). Завершает выставку картина Past Continuous (1976), давшая ей название: в ней, уже после смерти Поллока, Краснер продолжает развивать собственный, самостоятельный язык абстракции, и именно эта последняя работа окончательно снимает образ «мифической пары», утверждая двух художников как равных.

Центр современного искусства в Ташкенте открылся 6 сентября 2026 года выставкой Hikmah. Ее куратор, главный куратор ССА доктор Сара Раза, собрала работы десяти художников: Али Черри, Нади Каби-Линке, Кимсуджи, Тарика Кисвансона, Владимира Пана, Шохруха Рахимова, Бахтияра Сайпова, Дарибая Сайпова, Муханнада Шоно и Нари Уорда. Выставка обращается к темам духа, мудрости и материальной трансформации: новые работы Муханнада Шоно, Нари Уорда, Шохруха Рахимова и Тарика Кисвансона, созданные специально для CCA, показаны рядом с произведениями Кимсуджи и Али Черри, а также с работами, предоставленными Музеем Соломона Гуггенхайма и музеем имени Савицкого в Нукусе.

Само здание CCA, расположенное в старом городе Ташкента, было построено в 1912 году как дизельная станция и депо для первой городской трамвайной линии и сохраняло это назначение в советское время. Парижское бюро Studio KO переосмыслило пространство, используя традиционные методы, материалы и ремесла со всего Узбекистана, объединяя в реставрации разные географии и культурные традиции страны. Центр создан Фондом развития искусства и культуры Узбекистана.

С осени 2026 года по осень 2027 года в Fondation Beyeler проходит выставка Constellations, открывающая расширенный ансамбль музея: впервые экспозиция пройдет в новом здании Петера Цумтора, Wyss Museum, в здании Ренцо Пиано, Beyeler Museum, а также в увеличенном парке и отреставрированных исторических постройках комплекса. Выставка объединит около 230 произведений собственной коллекции музея и станет крупнейшей выставкой в его истории, раскрывающей диалог между искусством, архитектурой и природой, которым знаменит Fondation Beyeler. Название отсылает к серии Александра Колдера Constellations (1943), несколько работ из которой войдут в экспозицию.

В рамках выставки будут показаны произведения XIX, XX и XXI веков из собрания музея, включая недавние приобретения и дары, а также значимые работы из известных швейцарских и международных частных коллекций. Среди представленных художников – Клод Моне, Пабло Пикассо, Жоан Миро, Рене Магритт, Альберто Джакометти, Марк Ротко, Виллем де Кунинг, Джоан Митчелл, Сай Твомбли, Луиз Буржуа, Фудзико Накая, Герхард Рихтер, Вия Селминс, Марлен Дюма, Роберт Гобер, Томас Шютте, Рони Хорн, дуэт Fischli/Weiss, Элизабет Пейтон, Вольфганг Тильманс, Отобонг Нканга и еще около 25 других авторов.

Mori Art Museum в Токио представляет выставку All That Shines – первую крупную ретроспективу Марико Мори в Японии с 2002 года, когда в Токио прошла выставка Pure Land. Проект организован совместно с Фондом Гуггенхайма, кураторами выступают Александра Манро и Мами Катаока. Около 40 произведений, созданных за более чем три десятилетия, охватывают все ключевые медиа Марико Мори: перформативную и компьютерную фотографию и видео, рисунок, скульптуру и крупные интерактивные инсталляции. Мори прославилась в середине 1990-х годов серией Cyborg в эстетике научной фантастики и компьютерной графики, а позже перешла к метафизическим темам жизни, смерти и космоса в духе буддийской философии, ключевым понятием которой стало Oneness – единство всего живого во времени и пространстве; знаковая работа этого этапа – Wave UFO (1999–2002), первое произведение искусства, использующее биологическую обратную связь по мозговым волнам.

Название выставки отражает идею света как центрального образа всей практики художницы: свет становится мостом между физическим и метафизическим измерениями. Работа Tom Na H-iu (2006) делает видимыми нейтрино от взрывов сверхновых в виде вспышек света, а уличные инсталляции Primal Rhythm: Sun Pillar (2011) и Ring: One with Nature (2016) выстроены по направлению солнца в день зимнего солнцестояния. Выставка организована не как строго хронологический обзор, а как путешествие через три десятилетия творчества, предлагающее пространство для рефлексии, игры и удивления в эпоху технологического ускорения и планетарной нестабильности.

Stedelijk Museum в Амстердаме представляет ретроспективу Яёи Кусамы, которая пройдет с 11 сентября 2026 по 17 января 2027 года. Выставка охватывает более семи десятилетий работы одной из самых влиятельных и новаторских художниц XX и XXI веков. Кусама умерла в Токио в августе 2026 года в возрасте 97 лет, и выставка в Stedelijk Museum, задуманная как масштабная прижизненная ретроспектива, стала посмертным трибьютом: по словам музея, это последний проект, в подготовку которого Кусама лично успела внести финальные штрихи. Куратор выставки, Леонтине Кулевейл, показывает путь художницы от ранних работ, созданных в Мацумото, через нью-йоркский период до самых недавних произведений из Токио, включая исторические работы, которые никогда прежде не выставлялись в Европе, и новые работы, созданные специально для этого проекта. Выставка организована совместно с Fondation Beyeler в Базеле и Museum Ludwig в Кельне.

По словам сотрудников музея, это крупнейшая выставка в истории Stedelijk Museum. К числу ключевых произведений относятся Infinity Mirrored Room – The Hope of the Polka Dots Buried in Infinity Will Eternally Cover the Universe (2025), Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart (2025), Narcissus Garden (1966) и Aggregation: One Thousand Boats Show (1963). Специально созданная для верхнего этажа новая инсталляция с зеркалами и покрытыми горошком щупальцевидными формами становится одним из центральных моментов экспозиции.

22 сентября 2026 года в Лос-Анджелесе открывается Lucas Museum of Narrative Art, музей, созданный Джорджем Лукасом и Мелоди Хобсон. Здание, спроектированное Ма Яньсуном из бюро MAD Architects, с садами Мии Лерер из Studio-MLA, занимает почти 300 тысяч квадратных футов на территории Exposition Park, а постоянная коллекция насчитывает более 40 тысяч произведений искусства: иллюстрацию, монументальную живопись XX и XXI веков, комикс-арт, детскую книжную графику, научно-фантастическую иллюстрацию и кинематографические артефакты, включая киноплакаты. Джордж Лукас, соучредитель музея, объясняет: «Истории – это мифология, и, будучи проиллюстрированными, они помогают людям понять тайны жизни». Мелоди Хобсон определяет проект как музей народного искусства: «Изображения здесь — это иллюстрации убеждений, с которыми мы живем каждый день. Именно поэтому это искусство принадлежит всем».

Среди значимых частей коллекции: Separate Cinema Archive, около 37 тысяч предметов, документирующих историю афроамериканского кино с 1904 года, с материалами о Дороти Дэндридж, Поле Робсоне, Дюке Эллингтоне, Сидни Пуатье и Жозефин Бейкер; архив муралистки Джуди Баки, связанный с ее работой Great Wall of Los Angeles; картина Роберта Колскотта George Washington Carver Crossing the Delaware River; а также произведения Н. К. Уайета, Диего Риверы, Нормана Рокуэлла и Джека Кирби. Личная коллекция Лукаса, вошедшая в собрание музея, включает памятные предметы из «Звездных войн», саги об Индиане Джонсе и комиксов со Снупи.

Выставка Cézanne to Modigliani: Gifts of Modern Art from the Pearlman Collection организована совместно с музеем LACMA и MoMA и показывает более 50 произведений европейского модернизма из коллекции Генри и Роуз Перлман. Дар из 29 произведений коллекции Перлманов Бруклинскому музею стал одним из самых значительных даров европейского искусства в истории музея. Помимо картин, скульптур и графики Сезанна и Модильяни, экспозиция представляет произведения Эдгара Дега, Поля Гогена, Анри де Тулуз-Лотрека и Хаима Сутина. Акцент сделан на историях встреч и связей: между Перлманом и художниками, которых он собирал, между художниками и их моделями, а также между самими художниками. Куратор Лиза Смолл, старший куратор европейского искусства Бруклинского музея, описывает собрание Перлмана как «изысканную подборку модернистских произведений» и отмечает, что выставка дает уникальную возможность увидеть всю коллекцию Перельманов в одном месте, прежде чем часть работ разойдется между тремя музеями, а также называет ее «поистине значимым даром» для музейного собрания.

Генри Перлман, уроженец Бруклина и владелец компании холодильных складов, начал собирать искусство в 1945 году с картины Хаима Сутина Village Square, Céret (1921–1922), купленной на аукционе Parke-Bernet. По его словам, приобретение работы приносило ему чувство, «похожее на впечатление от симфонического оркестра, исполняющего хорошо знакомую и любимую вещь» (Artnet, 2025). В формировании коллекции ему помогали коллекционер Альберт Барнс, директор MoMA Альфред Барр, а также исследователь Сезанна Джон Ревалд и художник Лео Маршуц, благодаря которым собрание Перлмана пополнилось десятками рисунков, картин и акварелей Сезанна. В 1955 году супруги основали фонд Henry and Rose Pearlman Foundation, чтобы сохранить и показывать коллекцию публике.

Музей ЗИЛАРТ представил выставку посвященнную коллекции Петера и Ирене Людвиг. Работы из собрания Государственного Русского музея в Санкт-Петерурге включают более 100 произведений западных и российских художников: от Пабло Пикассо, Энди Уорхола, Жан-Мишеля Баскиа и Роя Лихтенштейна до российских концептуалистов Ильи Кабакова, Эрика Булатова и Владимира Янкилевского. Куратор выставки Александр Боровский выстраивает экспозицию не по хронологии и не по национальным школам, а как диалог между разными художественными направлениями, точно так же, как воспринимали современное искусство сами Петер и Ирене Людвиг.

Коллекция Петера и Ирене Людвиг формировалась с конца 1940-х до середины 1990-х годов и включает более 800 произведений. Людвигов нередко называют культурными дипломатами: в условиях политических разделений они ставили работы западных художников в один ряд с советскими, восточноевропейскими, кубинскими и латиноамериканскими авторами. На выставке в ЗИЛАРТ представлен весь спектр послевоенного искусства: от американского поп-арта и гиперреализма до немецкого неоэкспрессионизма и живописи ГДР, от кубинской и латиноамериканской школ до московского концептуализма и фигуративного искусства.

С октября 2026 года в Courtauld Gallery в Лондоне проходит выставка Salman Toor: Someone Like You – первая в Европе персональная выставка пакистано-американского художника, живущего и работающего в Нью-Йорке. Экспозиция в Denise Coates Exhibition Galleries объединяет 19 картин, созданных начиная с 2019 года и ранее никогда не показывавшихся в Великобритании: они исследуют человеческие взаимоотношения и стремление обрести чувство принадлежности, культурной и эмоциональной, через сцены дружбы, любви, одиночества и отчуждения. Одна из ключевых работ выставки, The Bar on East 13th (2019), переосмысляет знаменитую картину Эдуарда Мане из собрания Courtauld A Bar at the Folies-Bergère (1882), вступая в диалог с постоянной коллекцией музея.

Фигуры Тура, вытянутые и словно растворенные в дымке цвета, стали характерным признаком его стиля; художник Джон Каррин назвал эту манеру «легким гламуром». Одна из самых больших и амбициозных работ на выставке, Ghost Ball (2023) из коллекции Франсуа Пино, изображает танцующие фигуры: арлекины, клоуны и марионетки, существующими между комедией и сновидением. Ранее Тур провел первую персональную институциональную выставку в Музее Уитни (2020–2021) и участвовал в Венецианской биеннале (2024). Успех Тура подтверждается и его позициями на арт-рынке: в 2020-2022 годах цены на его работы на вторичном рынке резко выросли, а рекордная продажа картины Four Friends (2019) за 1,5 миллиона долларов на Sotheby's в 2022 году закрепила за художником статус имени, одинаково востребованного и музеями, и коллекционерами.

Musée d'Orsay в Париже в 2026 году, к столетию со дня смерти Мэри Кассат (1844–1926), представляет выставку Mary Cassatt: L'Indépendante – первую в истории французских национальных музеев крупную ретроспективу художницы, которая была действующим членом и одной из ключевых фигур группы импрессионистов. "Я независима! Я умею жить одна, и я люблю работать", – говорила она, и именно вокруг понятия независимости куратор Каролин Корбо-Парсонс вместе с коллегами из Musée d'Orsay, National Portrait Gallery в Лондоне и Boston Museum of Fine Arts выстраивают хронологически-тематический рассказ о художнице. Приверженность Мэри Кассат идее независимости не ограничивалась только её карьерой и творческим методом. Она была убеждённой сторонницей борьбы женщин за право голоса и призывала современниц "бороться за суфражизм, ведь именно женщинам предстоит решить вопрос жизни и смерти нации".

Экспозиция объединяет около 80 картин, пастелей и гравюр, включая редкие работы из европейских и американских собраний. Ранние портреты близких показывают, как на метод Кассат повлияли путешествия и изучение искусства прошлого, а стремление к независимости привело её к созданию собственной мастерской. В художественной среде, где доминировали мужчины, и несмотря на общий скептицизм по отношению к женщинам-художницам, она быстро утвердилась как профессионал. Кассат четырежды участвовала в выставках импрессионистов начиная с 1879 года по приглашению Эдгара Дега. Она специализировалась на сюжетах "мать и дитя", консультировала американских знакомых по покупке импрессионистов и в начале 1890-х годов купила замок в Уазе на собственные средства. Центральным эпизодом её карьеры стала утраченная монументальная роспись Modern Woman (1893) для Woman's Building на Всемирной выставке в Чикаго, которая будет показана через гравюры, пастели и фильм с цифровой реконструкцией.

В здании Kunstmuseum в Базеле с середины сентября пройдет выставка Van Gogh, Hodler and a Cabriolet: первая крупная экспозиция, посвященная швейцарской коллекционерше Гертруд Дюби-Мюллер (1888-1980). Куратор выставки Жеральдин Мейер объединила около 80 произведений искусства, фотографий и ранее не публиковавшихся документов, раскрывающих роль Дюби-Мюллер как одной из ключевых фигур европейского модернизма. Рано осиротев и получив финансовую независимость, Дюби-Мюллер едва достигнув совершеннолетия, купила работу Винсента Ван Гога Portrait of Charles-Elzéard Trabuc (1889): эта работа стала отправной точкой коллекции, в которую впоследствии войдут произведения Сезанна, Джованни Джакометти, Климта и Матисса. Особую роль в ее жизни играла дружба с Фердинандом Ходлером, который посвятил ей семнадцать портретов, среди них крупноформатное полотно View into Infinity (1913/14–1916), сегодня хранящееся в собрании Kunstmuseum.

Дюби-Мюллер была не только коллекционером, но и увлечённым фотографом, альпинисткой (в ее послужном списке – восхождение на Маттерхорн) и одной из первых женщин-автомобилисток кантона Золотурн, объехавшей на швейцарском Piccard-Pictet европейские столицы и добравшейся до Северной Африки. О ее скорости за рулем с тревогой писал сам Ходлер: «Лучше ехать медленнее всю дорогу до Парижа, чем гнать и разбиться, ведь рядом не будет меня, чтобы напоминать тебе не торопиться». Выставка в Базеле подготовлена в тесном сотрудничестве с Kunstmuseum Золотурна и дополнена материалами из Fotostiftung Schweiz, который хранит фотографический архив Дюби-Мюллер.

В Берлине открылась выставка Night: первая крупная персональная выставка итальянского художника Маурицио Каттелана в Германии, приуроченная к премии Preis der Nationalgalerie 2026 года, для которой художника выбрало международное жюри. Выставка проходит в знаковом здании Мис ван дер Роэ, которое играет важную роль в формировании восприятия работ художника. Куратор выставки Лиза Ботти, совместно с директором музея Клаусом Бизенбахом и самим художником, объединила знаковые работы разных периодов творчества Каттелана. Среди них – Him (2001), Novecento (1997), La Rivoluzione Siamo Noi (2000) и Untitled (2003), созданная под впечатлением от романа Гюнтера Грасса «Жестяной барабан», а также новые работы Каттелана.

В центре выставки: новая работа, созданная специально для пространства музея. Работа меняет привычный способ восприятия пространства, превращая галерею в среду, настроенную на внимание и рефлексию, и трансформирует отношения между зрителем, произведением и архитектурой Мис ван дер Роэ. Показанная в Берлине, городе со сложной многослойной историей, Night прослеживает сквозные темы практики Каттелана: напряжение между невинностью и насилием, конструирование идентичности и неотступное присутствие исторической памяти.